當代/亞洲藝術
 

不掉書袋的藝評|藝術家帶你看懂作品,不用專業配備,就能抵達藝術意義的核心



「如果說約翰‧伯格《觀看的方式》是藝術評論的經典書,探究藝術是『什麼』,那麼大衛‧沙利的《如何看藝術》就是藝術家所給的答覆,告訴觀者該『如何看』。篇篇精彩的文章談論當藝術家在創作時,他們想什麼? 關於藝術的『如何』論題,或許從來沒有人 比薩利 探索得更棒。」──作家‧魯西迪

自杜象1917年在小便斗上簽名後,撼動了繪畫主導的藝術世界。視覺藝術的變化速度日益加快,未來主義、構成主義、新地理、機制批判、非具象主義、表現主義、抽象表現主義、低限主義、新表現主義等新名詞大量繁殖,當代藝術成了布滿專業術語的地雷區,這些術語就像是為了將欣賞者淘汰出局而設計的。

作者大衛•薩利(David Salle)是美國80年代最重要的新表現主義大將,試圖扭轉一般人被藝評家阻隔於現代藝術之外的現況,他用藝術家聚在一起聊天時會用的語言來談論當代藝術,說出一位創作人面對藝術世界這四十年來天翻地覆驟變的真心話。

藝術家講話的方式跟記者不同,記者習慣把焦點擺在藝術周圍的脈絡、市場、觀眾等等,也跟學術評論不同,評論家會根據理論宣稱自己的說法具有正當性。 這兩種都是宏觀敘事,關心的都是整體全貌。藝術家就不一樣了,他們談的是什麼有效,什麼沒效,為什麼。他們的焦點比較微觀;是由內往外推。

大衛˙薩利在書中舉例:
「曾經有個電視節目叫做《信不信由你!》。其中一集,令人印象深刻,內容是有個傢伙說他把自己的車子吃掉了。他花了四年的時間,方法是把車子剁成碎片,每天吃掉一小塊,這個傢伙想辦法把整輛車都吃進肚子,包括方向盤、鉻鋼、輪胎,全部。用現在的觀點,他根本不知道自己正在創造藝術。」

吃車子是藝術嗎?面對觀念藝術,繪畫究竟太傳統,抑或更凸顯其獨有唯一性,仍具突破空間?複製品、模仿作,與原作有差別嗎?為什麼我們對某些藝術有似曾相識的感覺?對被評論的藝術家來說,是否認同藝評人的專家眼力?當我們欣賞一件當代作品時,要如何看出好壞?普普藝術大師李奇登斯坦,私底下如何評價自己的作品?他的作品,如何的「很不」安迪˙沃荷?市場價格等於藝術價值嗎?藝術家Jeff Koons被諷刺媚俗,他的作品是否只是譁眾取寵?與英國藝術家Hirst比起來,在話題之外,誰的藝術性耐久?這些似是而非,似非而是的疑問,該怎麼說,怎麼想?

關於這些思考,作者歷經了四十年的寫作摸索。從1975年初到紐約,用寫作支付房租,到1980、1990年代,改以一種懶人版的書寫形式進行採訪。最後,他採用最老派的方式,不採訪,純粹獨立書寫。期待讀者從自身的連結、描述和類比中找到樂趣,帶領「一般讀者」摸清藝術家心思,不需太多專業配備,就可抵達藝術意義的核心。

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她/他的名字

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斯巴達式軍人家庭長大,紀律比愛重要;意志力造就了她的藝術生涯,渴求愛影響了她的人生

她的《藝術家在現場》於2010年為紐約現代藝術博物館創下開館以來觀展人次的最高紀錄

2014年瑪莉娜・阿布拉莫維奇被《時代雜誌》選為百大最具影響力人物


愛與痛一直佔據了阿布拉莫維奇生命的重要部分,父親離家出走,與別個女人另組家庭;她那當過解放軍、有嚴重潔癖的母親,從不曾親過或擁抱過她,以斯巴達方式進行管教與精神控制。當阿布拉莫維奇將躋身國際藝術家行列時,她還是得遵守每晚十點回家的宵禁。她才剛用刀割自己、用火燒自己,但這些都得在晚上十點前完成。

阿布拉莫維奇以身體作為媒介,進行各種觸目驚心的表演,挑戰了社會認知。「我體驗到了絕對的自由——我感到自己的身體毫無束縛、毫無限度;痛楚一點也不重要,什麼都不重要。那一刻我知道我找到了自己的媒介。沒有任何繪畫、或是我能夠做出來的物件曾帶給我這樣的感受。」她繼承母親「穿牆」般的意志,超越身體與精神的極限,拋出生命議題邀請觀看者共同參與、思索。

選擇自殘的表演方式,不代表她無所畏懼,恰恰相反,但是「去做我感到害怕的事、去做我不懂的事、去沒有人到達過的領域。如果你用同樣的方式去做事,不斷地重複自己,什麼事情都不會發生。」阿布拉莫維奇的故事時而觸動人心、時而轟轟烈烈,帶有冷冷的幽默,道出了一段將自己推向恐懼、痛苦、筋疲力盡的極限,所成就的無人能敵的藝術事業;以及追求情感與靈性轉化、絕不妥協的危險旅程。本書就是一個傑出的表演,清晰有力地描述了一名超凡藝術家的傳奇人生。
 
                                    
                                          
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藝術品收藏投資

停機坪變成大畫廊、沙漠中蓋起羅浮宮、行事曆塞滿了藝博會……襲捲而來的是錢,還是?



身處一個業務不斷擴張、成交一再突破紀錄的蓬勃時代,越來越多光怪陸離日趨龐大的天價藝術製作、事件、交易,以及盤根錯節的人際裙帶、運作機制、潛在的希冀與欲望,更牽涉了避稅、洗錢、地產開發、石油能源帶來的虛榮及作用力……

一切一切皆以藝術為媒介,它提供了將各種數字變成另一種價值的戲法,但,真的如願昇華了嗎?或只是在已然過熱暴衝的系統中加速失控?

這本可讀性高又非常及時的書,探討了現代與當代藝術市場的轉變,從一個小眾交易變成每年高達500億美金的全球化操作,同時指出了這個缺乏透明度與管制的產業,在藝術市場爆發後的負面結果。

作者以個人經驗,透過迷人的細節,講述一小群人與機構如何導引出最新的發展:
1)拍賣公司如何成為一個全球化的、幾近割喉的「藝術商業」公司
2)中間商與超級掮客的湧現及其做案手法
3)網路銷售藝術品的新疆界
4)藝術藏家背景的根本性改變
5)名牌藝術家的現象與藝術博覽會的激增等等
  
其動人緊湊的資訊編寫,很適合藏家與所有想要了解存在於現今藝術市場前所未有的進化的人。

                                    
                                          
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策展工作指南

從構思、協調、布展到完成,本書回答了所有策展相關問題,也提出你沒想過但可能會發生的狀況



「策展是20%的天賦與想像力加上80%的行政、協作與管理。你必須能夠前瞻思考、面面俱到。缺少那20%,你或許只是無法創造出成功的展覽,但若缺乏管理一檔展覽所涉及的事務的能力,將會毀掉一個很棒的想法。」──倫敦泰特美術館館長 塞洛塔Nicholas Serota

策展實踐的可能性不斷擴張,不只是因為美術館部門蓬勃發展,也因為策展人持續在意想不到的地方創造新契機。但絕妙的想像力,也得有實踐它的能力及專業,才能創造成功的展覽。本書就是從根本開始,幫助策展人和學習策展的學生,建構自身策展資訊、知識、能力的實用工具書。

本書從追溯策展歷史與策展人角色開始,並概述今日策展人的多重角色:包括保管者、解說者、教育者、協助者,以及籌辦者。再以資訊豐富的十二個章節標示出展覽製作過程的各個階段必備的完整知識:從最初的發想,到擬定相關合約與借件請求書、整合預算及展覽時程表、製作展覽畫冊和解說資料、展場空間設計、與藝術家與借展單位及展品運送人員合作、籌備預展,以及記錄並評估展覽。

此外,書內亦特別以單頁設計、重點呈現了許多國際知名的博物館館長與策展人給予讀者如何在現今變動劇烈的藝術現場中工作的各方面資訊與建議。對於想要好好整理規劃自己的展覽事業、苦幹實幹的做一個真正的策展人的讀者來說,本書勢必可以提供關於策展最全面及完整的知識及訊息。
                                    
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觀看的方式
 
    ※我們注視的從來不是事物本身,而是事物與我們之間的關係

探究我們如何觀看藝術和世界的方式,最精練又最具衝擊性的經典視覺藝術之作



◎孩童先會觀看和辨識,接著才會說話。
◎男人行動,女人表現。男人注視女人。女人看自己被男人注視。
◎赤裸顯露自身。裸體用於展示。裸體的詛咒是永遠無法赤裸。裸體是一種衣著形式。


觀看不僅先於語言而存在,作為人類最素樸也最原始的感知經驗,觀看建構我們自身的生活世界,同時,觀看還具有雙向性,一旦我們開始觀看,我們便同時被我們所觀看的事物觀看,我們活在「看」與「被看」的世界裡,並在「看」與「被看」連續不斷的視覺運動中,去建構我們存在的世界,即便我們所「看見的」,不等同於「被看見的」。

約翰.伯格《觀看的方式》強調「形式」和「論點」兩者同樣重要,試圖引發讀者質疑與探究我們是如何觀看繪畫……這無疑將改變讀者觀看圖像的方式。

全書雖以章次為名,但讀者可以隨自己喜好以任何順序閱讀。其中四章由文字和圖像構成,另外三章則只有圖像。由圖像構成的章節,主題分別為觀看女體的方式,以及油畫傳統中的各種矛盾面向,雖然沒有文字,但它們企圖提出的問題並不下於有文字的篇章。在這些圖像篇章裡,作者有時不提供任何相關資料,因為擔心這類資訊可能會分散讀者的注意力,干擾圖像正在傳述的意旨。

本書初版於1972年,以BBC的同名電視影片為基礎加以延伸,是所有談論藝術的書籍中,最發人深省也最具影響力的經典作品,直到今日,其啟發讀者如何觀看藝術作品的入門地位依然不變。
                                    
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    ※很多當代藝術的呈現手法跟脈絡並非無中生有(應該吧),要理解當代藝術,先從我們更熟悉的經典作品看起
 



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